Toda obra de Arte participa de cierto grado de sacralidad, aunque no se refiera especialmente a un tema religioso.

En ese sentido, las manzanas de Cézanne, o sus versiones de la Montaña de Saint-Victoire, son más religiosas (porque están admirablemente pintadas), que una obra mediocre con temas religioso.

Puede ser esclarecedor el ejemplo de un gran artista del siglo XX, George Rouault. Sus imágenes están tan alejadas de la producción seriada de las santerías, como de algunas extravagantes experiencias actuales.

Pintura fuertemente expresionista, fileteada con negro y enriquecida con una gruesa y vibrante materia cromática. Pero para llegar a identificarse tanto con los temas bíblicos, tuvo que operarse en él, una profunda conversión, inducida por su amigo León Bloy, que lo lleva de su apasionado anarquismo juvenil, a ser un converso transformado por el amor de Cristo.

Y esa es la problemática del Arte Sacro.

Qué obra de Arte Sacro puede pretender la perfección de su género, sin la inspiración de la fe ?.

Su misión es dar gloria a Dios, siendo humilde servidor de la liturgia y paradójicamente con esa actitud, alcanzar su máxima libertad.

Pero el Arte Sacro para ser transformador, tiene que estar abierto al arte viviente, que no es otro que el arte de su época, es decir, el arte moderno, siempre que sirva con el debido respeto a los ritos sagrados, "de forma que también él pueda unir su voz al admirable cántico de gloria que los genioshan cantado en los siglos pasados a la fe cristiana". Palabras que pueden sorprender o disgustar, en una época en que el hombre reivindica para sí una libertad o autonomía total, no acepta a DIOS y termina endiosándose a si mismo.

En 1947 Henri Matisse se encontraba enfermo y su antigua enfermera, Soeur Jacques, religiosa dominica, le encargó la capilla que pensaba construir en Vence, al lado de una casa de reposo. Matisse se fue entusiasmando con el proyecto, hasta que resolvió realizarlo íntegramente por si solo. Planteó toda la decoración, terminando por diseñar los ornamentos litúrgicos.

Henri Matisse - Capilla del Rosario, Vence.

Cuando se inauguró la capilla, Matisse seguía enfermo y al no poder concurrir, envió una carta que decía: "esta obra me ha exigido cuatro años de un trabajo asiduo y exclusivo y es el resultado de toda mi vida activa. La considero, pese a sus imperfecciones, mi obra maestra. He comenzado por lo profano, y he aquí, que en la tarde de mi vida, termino naturalmente en lo divino".

Helios Gagliardi

Hasta el 13 de Enero último, se expuso en el Museo Thyssen Bornemizsa, de Madrid, la exposición titulada Forma. El ideal Clásico en el Arte Moderno.

"Guitarra" - Picasso

Estructurada temáticamente en 8 salas, propone una interpretación de las relaciones entre clasicismo y modernidad en el arte de la primera mitad del siglo XX. El formalismo que pregona , es una posición teórica que privilegia la forma sobre el contenido en la obra de arte y fue determinante para el nacimiento del nuevo arte del siglo XX y para su ruptura respecto del siglo anterior.

Tras su muerte en 1906, Cézanne se convierte en el punto principal de referencia para la evolución de los pintores cubistas. Después de su experiencia cubista, Picasso pinta a comienzos de 1920, obras clasicistas, orientadas hacia lo mítico. ( sala 7 ).

Matisse y Picasso, en 1930 ponen el acento en el movimiento por medio de la línea, y paradójicamente, descubren que la tradición, es a veces, una condición de vitalidad inesperada.

En última instancia , lo que la muestra permite interpretar es que el clasicismo no rechaza al modernismo. Lo acepta.

Lo que no acepta es la superioridad del presente sobre el pasado, porque no da al tiempo un criterio de valor.

Yo soy "un clásico del modernismo", decía Juan Gris, que a pesar de su prematura muerte, pintó algunos de los más armónicos cuadros cubistas.

Helios Gagliardi

Para mí, Spilimbergo es un clásico de la modernidad. Respetuoso del pasado, no le temía a la tradición. Al contrario, se nutría de ella para enriquecer su propia imagen.

En 1925 viaja a Europa y estudia apasionadamente a los primitivos italianos, a los renacentistas. En esa época pinta el paisaje de "San Sebastiano Curone ."

En Francia pinta la Catedral de Chartres y copia las esculturas de los profetas Bíblicos, de donde devienen los ojos tremendamente abiertos de sus figuras, que parecen escrutar el misterio.

Concurre al taller de André Lhote y afianza sus conocimientos de la proporción áurea, de la geometrización de la forma, de la pincelada facetada de Cézanne, de los principio cubistas, que tanta fuerza darían a sus imágenes, para convertirlo en un muralista por excelencia, como lo prueban sus pinturas de Galerías Pacífico, realizadas en 1946, con el lema "paredes para el arte y arte para el pueblo". Pero lamentablemente, le faltaron paredes para desarrollar su enorme potencial humanista y monumental.

Para evitar la pintura ilustrativa, entendía la creación como hecho plástico en sí mismo, que logra independizarse del tema tratado, pero que lo jerarquiza artísticamente.

Regresa a Buenos Aires en 1928 y en 1937 obtiene el Gran Premio del Salón Nacional. Es la época de las figuras hieráticas, como formas icónicas, donde el tiempo parece congelado.

En 1933 aparece David Alfaro Siqueiros y junto con Berni, Castagnino y Lázaro ejecutan en la quinta de Botana, un mural, que sería el germen de la escuela muralista Argentina, utilizando la piroxilina, denominado "Ejercicio Plástico".

Con los años el mural fue desmontado y acondicionado en cinco contenedores, cuatro de los cuales fueron depositados a la intemperie, en grúas Don Bosco, sobre la ruta Nº 3, en La Matanza.

Y las llaves de todos los contenedores están en poder de la firma Decanor S. A. La Legislatura de la Pcia. de Buenos Aires declaró la obra Patrimonio Cultural Provincial, mediante la ley 12.718. Veremos que pasa, ahora.

En 1935, con las 36 monocopias de la "Breve Historia de Emma", alcanza un lenguaje más nervioso y expresivo.

Y finalmente, su tarea docente. Se puede ser un gran artista, como Victorica, o un gran docente como Héctor Cartier. Pero las dos condiciones juntas, difícilmente se dan en un solo individuo. Tenemos ejemplos carismáticos, como los de Adolfo De Ferrari, Alfredo Bigatti, Demetrio Urruchúa o Alberto Balietti y algunos más, pero no es fácil encontrarlos. Tenía el temperamento necesario para ser conductor y animador. Exigente consigo mismo y comprensivo con sus discípulos, que lo veneraban como a un verdadero padre, como lo prueba este homenaje, a 38 años de su muerte.

Como decía Mujica Laínez, a Spilimbergo, la obra entera lo aplaude. O Rafael Alberti, en el catálogo de una exposición en la Galería Van Riel:

Mudo

y hasta en el violento

dibujar, silencioso.

Lino grande en el lino, en el lienzo desnudo.

Callado monumento riguroso.

Helios Gagliardi

Mesa redonda - Georges Braque

Hasta 19 de mayo último, se expuso en el Museo Thyssen- Bornemisza, de Madrid, una gran exposición retrospectiva de Georges Braque.

En la primera sala, sus pinturas de la época fauve, de fuerte colorido.

Luego descubre a Cézanne, conoce a Picasso y cambia totalmente de paleta.

Aparece el cubismo analítico, de tonos grises, ocres y multitud de líneas que llevan la imagen a una cuasi abstracción bidimensional.

A partir de 1912, las formas se agrandan y pega papeles de periódicos, agregando arena a la pintura, para cambiar la textura de la superficie (cubismo sintético).

Braque permanece fiel al cubismo, que con los años va adquiriendo distintas variantes en el tratamiento de las naturalezas muertas, billares o una serie de telas pintadas sobre fondo negro, donde un color se aproxima a otro, sin tocarlo, para dejar ver el negro de base, que se transforma en dibujo, como si la obra estuviera fileteada.

A partir de 1930, cuando se instala en la costa normanda, vuelve a pintar paisajes, evocando a veces, a Van Gogh. Temas marinos y de la tierra roturada con arados y mucha textura matérica.

Y finalmente, los pájaros de gran tamaño y misterioso simbolismo, que cierran una muestra excepcional, donde se conjuga el oficio con la creatividad y la labor silenciosa y perseverante de uno de los grandes pintores del siglo XX.

Helios Gagliardi